イマーシブというのは「没入感のある」という意味ですが、僕は、実は演じているときに没頭はしていないんです。本番中も、演じている自分を斜め上あたりからみている僕自身が常にいて「今の聞き方はわかりづらいぞ」と思ったりしています。

あります、あります。泣かれることもありますし、怒られることもあります。懇願されたり、別のイマーシブ作品ですが、愛の告白をされたりすることもあります。本当にお客様からは、いろいろな感情をもらっているので、ありがたいですね。

困ったとしても、それは日常生活で、例えば飲みの席で家族や友人が泣いてしまったときのような感じです。今回であれば、お客様は弟子仲間という設定なので、「仲間が泣いていたら、どう言葉をかけてあげればいいかな」とは考えますが、「芝居の進行が台本と違うからどうしよう」という困り方はしないですね。慰めたり、一緒に泣いてあげたり、呆然としてなにもできなかったりと、普通に人間同士の対応をしているという感じです。

たぶんそこで変にお芝居を出してしまうと、せっかくのイマーシブな状態が台無しになってしまうかもしれません。自分も無防備になって、役としてその場で起こっていることに対応していった方が、お客様にも楽しんでいただけるのではないかなと思っています。

みんな優しいんですね。実際には存在していない人間を役として演じている自分たちに対して、泣いたり、怒ったり、なにかアドバイスをくれるって、とても優しい行為ですよね。

今回のイマーシブシアターの製作で、メインディレクターをつとめたムケイチョウコクの美木マサオが、「演劇は戦争をなくせる」と言っているんです。言葉が通じない、宗教が違う人とも、こういうイマーシブな演劇体験で、真剣に親身にやりとりできれば、みんな仲良くなれるんじゃないか、と僕も思います。

音楽です。子供の頃から歌うのが好きで、中学生からはバスケットボールに熱中していたのですが、高校1年の夏にアコースティック・ギターを独学で始めました。地元の高校を卒業後、20歳で新聞配達の奨学金制度で東京に来て、高田馬場にある音楽の専門学校のESPミュージカルアカデミー（現・ESPエンタテインメント東京）に通いました。

その後、日経新聞の配達所で一緒に働いていた青森出身の人間とデュオを組んで、ライブハウスでデビューしました。4年ほど、オーディションを受けたり、レコード会社にCDを送ったりしていました。

その活動の中で、出演したライブの演出を担当していた元劇団四季の俳優の方が、千葉で市民劇団をやられていたのですが、そこで若者の役をする人間を探していて「お前、やってみないか」と声をかけられました。子供の頃に「声優になりたい」と考えていたこともあり、お芝居にも興味があったので、「じゃあ、やってみます」と出演することになりました。
アメリカの不条理劇のテネシー・ウィリアムズ作『ロンググッドバイ』で、24歳での初舞台、初主演で芝居を始めました。

最初は音楽だけでした。2022年の公演で『One Room ⇔ dramaS -落下する記憶-』という池袋のカフェを会場としたイマーシブシアターです。プレ公演では音楽だけ、本公演で「キャストとしても出てほしい」という話になりました。

どちらもメインは芝居というのがあるので、それを邪魔しないようにすることは、毎回確実に意識しています。ただ、今回は、音楽が劇場のスピーカーからではなく、お客様の耳元のオープンイヤーイヤホンから流れます。キャストの声よりも物理的に近いので、音楽が主張したら芝居が台無しになると、特に留意しました。音楽家としては、音楽を聴いてほしいので、凝ったものになりがちなのですが、今この部屋で空気清浄機の音がボーっと聞こえるじゃないですか。これぐらいの存在でいいと思うんです。

カフェで音楽が流れている理由は、人は静かだと緊張するのでリラックスさせるためと、他の客の話声を緩和させるためです。今回の公演でも、観客の緊張を解き、街からの音を緩和させるという効果を得るための音楽である、という位置づけをしっかり把握して、主張しないぞ、と。キャストもしゃべっていない状況で、街を歩いていて、一瞬静かになった時間に「なにか風のように聴こえてくれればいいな」と思って音楽をつくりました。

一番意識したのは、音と音のすき間を空けたり、長音（長く伸ばす音）をよく使うことです。
例えば、ピアノでポンと弾くと結構耳につくけど、足元のペダルを踏むことで音を長く響かせると、人間ってその音に慣れるんですよ。音が鳴っていても、鳴っていることに慣れて、意識から外れてしまう。あとは、音の消えるタイミングも使います。

今回の公演では、お客様に提灯を持って歩いてもらいました。実際に使ったのは電球の入ったものでしたが、ろうそくを入れている提灯であれば、風でろうそくの光が揺らぐのを見ていて、不思議な感覚になることがあります。音楽的な演出として、あの揺らぐ感じを出したかったんです。

現代の神楽坂を歩いているのか、劇中の設定である昭和や明治の神楽坂を歩いているのか、わからなくなっていく。波が寄せては引くように、音楽も聴こえたり、静かになったりを繰り返す中で、お客様も耳が慣れて、音楽自体を意識するというより、感覚が揺らいでいく。ふと「自分はどちらの世界にいるのだろうか」と思う。

それをわかってもらえると、うれしいです。あまり主張しない音楽であっても、演出的な意味合いをつけたかったんです。

僕の音楽家としての強みは、お芝居をやっている側であるということです。もちろん芝居をやっていなくても劇伴の作曲などで活躍されている方はたくさんいますが、両方やっている人はそんなにいないかもしれません。
俳優をやっているときにも、セリフとセリフの「間」だったり、リズムや声色だったりといった部分で、音楽家の強みを活かせることもあります。

市川（以下、同）：「あったらあったでおもろいやろな」と思います。今回、神楽坂でこの企画が立ち上がったのは、メインディレクターの美木の出身地であることが大きいです。それに、僕が演じた役のイメージの泉鏡花だったり、芸者華子役の元の神楽坂はん子だったりがいた土地からこそ、物語がかたちになったと思っています。

企画を作っていく中で神楽坂を歩いてみて、花街の石畳がとても素敵で、山中温泉も花街の雰囲気があるので「似てるな」と思いました。楽しかったですね。山中温泉だと、かつて松尾芭蕉が滞在して「山中や 菊は手折らじ 湯の匂ひ」と句を残しています。温泉街を歩いていて、芭蕉や弟子の曽良に会う体験ができたら面白いです。他の地域でも、その土地でフィーチャーできる人物や伝説があると楽しいものがつくれそうですね。

「演劇を観に行く」というより、「その人物に会いたいな」と思って、人が来てくれるかもしれません。単にある名所旧跡を訪ねた、というより、イマーシブシアターのように、キャストという人間が介在し、対話することで、泣いたり笑ったりした体験が生まれると、その地域の記憶も増します。

昼の物語で安養寺を使わせてもらったのですが、大仏様（薬師如来坐像）の前で芝居をしました。新宿区に大仏様がいらっしゃるとは知らないじゃないですか。体験した方にそういった地域の魅力を知ってもらえるのもうれしいし、演劇の後で、お客様からの「御朱印をもらいに行ってみた」、劇の中で出てきた「甘納豆を買いに行った」、キャストがXで「このお店が美味しかったよ」とつぶやいた後、「その店に行ってみた」というような話を聞くと、本当にこの地域でやってよかったと思います。

僕の地元だと、同級生が一生懸命、青年団で地域活性をがんばっていて、かまぼこ屋をやっているのですが、もしやれるんだったら、そいつんちのかまぼこは劇中で絶対出したいな、と思います。